Visitamos a Maripaz Velázquez Esponda, joven Pintora y vamos a platicar un rato con ella.

• ¿Maripaz, nos puedes hablar brevemente sobre tus inicios en el arte? Claro que sí, mira, yo desde que tenía 6 años, me sentaba al lado de mi abuela paterna a pintar, con acuarelas, ella era acuarelista. Ella estudió con el profesor Guati Rojo en el Museo de la Acuarela. Y cada vez que yo lo visitaba me gustaba mucho pintar, ella me prestaba trozos de papel de algodón, sus lápices y sus acuarelas. Conforme fue pasando el tiempo, ingresé al Museo de la Acuarela, todavía vivía el maestro Guati Rojo. Mi profesora era Beatriz Gaminde es una gran pintora, también acuarelista. Ella fue directora del Museo de la Acuarela por varios años. Ella me dio clases. Estudié diseño gráfico en la Universidad Iberoamericana, hice la especialidad de artes visuales. Y quedé fascinada, además, al mismo tiempo trabajaba con grupos vulnerables, personas que, por ejemplo, uno de los grupos no habían tenido acceso a educación preescolar real, señoras de la tercera edad, de la comunidad Palo Alto y ahí les llevaba materiales para pintar porque no sabían ni colorear con crayolas. Empecé poco a poco a hacer realmente lo que siempre me gustó: pintar este. Y después de ahí terminé la carrera y tuve la oportunidad de irme a Vancouver, a hacer u na especialidad que se llama animación clásica. Estuve en Vancouver Film School. Y ahí, fue una experiencia increíble, ya que el programa es para entrenarte, para ser animador clásico real en un estudio en tiempo real como los de Disney y como los de Pixar,  es decir, dibujar a mano todos los cuadros. Llevábamos clases de figura humana, eran 6 horas a la semana, el reto era lograr tener toda la figura humana en menos de 2 minutos. Te entrenaban sobre todo para lo que muchas veces da miedo como artista, para la hoja blanca, para resolver. Lo que en esa escuela yo aprendí, que para mí fue muy valioso, es que los primeros 6 meses te hacían hacer ejercicios reales de animación clásica, como antes lo hacían en los estudios se hacían a mano, por eso antes se tardaban tanto tiempo en acabar una película, una animación, eso era lo que daba el alma a esas esos clásicos. Pero con la tecnología, se puede hacer en computadora Los procesos fáciles y no tan fáciles, puesto que la forma orgánica, las máquinas nunca la han podido copiar exactamente. Yo en esa escuela aprendí mucho y todo era a lápiz. Los ejercicios eran a mano a lápiz a mano alzada. Y sobre todo, los ejercicios te ayudaban mucho a conectar, porque eso también es lo que está pasando, que por el uso de la tecnología, la gente ya no conecta con la obra directamente, sino hay algo entre el artista y la obra, no tiene alma, y no han no han podido igualar las obras. Nos explicaban que era impactante, como se hacían estudios en niños actuales y les ponían animaciones clásicas de los años 50’s o 60’s versus las de los años 2000 en adelante, de lo que está de moda y los niños seguían prefiriendo las antiguas

• Esas animaciones son muy bonitas, porque hay muchas caricaturas recientes que son unos “monos” horribles, ¿no? Sí, eso tiene una razón de ser en esta técnica, que es la animación, es de 24 cuadros por segundo. Quiere decir que por cada segundo que yo tenga que entregar como trabajo de arte, como artista, son 24 dibujos por segundo. Entonces, si tú tienes una película de 2 horas y media, multiplica esas 2 horas y media, los segundos y los 24 cuadros. Y por eso ya, todo se ha digitalizado en un esfuerzo para hacerlo más óptimo. Pero los movimientos rápidos que tiene menos cantidad de dibujos. Por lo tanto, menos tiempo de producción, menos tiempo en todo, eso es lo que ahorita justamente mucha gente está diciendo que porqué no se regresará a esta parte artesanal.

• Los dibujos de antes, de Walt Disney, tú ves Blancanieves y es hermosa, todo es muy bonito, ¿no? Todo, la bella Durmiente, Cenicienta, que esos son esas son de los años cincuentas. De hecho también cuando hay un rediseño, ahorita que empezaron a digitalizar todas esas películas y luego, ahora que está todo en Live Action, cómo ha ido cambiando el concepto de la historia, del concepto principal a ahorita. Eso también yo lo veo en la narrativa, en la parte de producción, hasta te das cuenta que ya no tiene el mismo, pues a lo mejor los mismos valores que trataban de proyectar, los han cambiado, y sobre todo como está la sociedad actual. Entonces por parte de mercadotecnia tienen que hacer algo para que esas piezas de arte, pues sigan, que la gente siga creyendo en ellas y las siga consumiendo. 

• ¿Cuánto tiempo llevas dedicada al arte? Pues como te comentaba yo, empecé a pintar desde los 6 años. Desde el 2000 más profesional, que fue cuando empecé a ir con estos grupos a hacer manualidades. Estuve 8 años en esa Comunidad y con un grupo también de niños y de niñas que son hijos de chicas de servicio y con un grupo de otros niños de que eran, pues los dueños de esas casas de donde estas chavas trabajaban. Era un grupo padrísimo porque los juntábamos y les enseñábamos por medio del arte, como era convivir con la gente con la que pues iban a crecer y que a veces algunos les iba a tocar ser, el empleado, otro el empleador, otro el ayudante, y todo entonces por medio del arte y sobre todo con material reciclable. Les enseñábamos también que el arte que muchas veces se pensaría que es muy caro, no? Sí, pero era cargar con las manos era resolver con las manos. Entonces este, pues desde ese año hasta ahora.

• ¿Gracias, qué tipo de pintura realizas?     Me gusta como el expresionismo este, por ejemplo, la primera exposición en la que participé fue el tema fue de un homenaje a Leonardo da Vinci y digo expresionismo porque lo que pinte fue una pierna y un pie. Fue una alta abstracción del cuerpo humano, siempre me han llamado mucho la atención los objetos, en singular el detalle.  Me gusta mucho el proyectar los detalles y el minimalismo, no me gusta el arte muy cargado. Siento que te pierdes. A mí me gustan las formas sencillas y orgánicas y sobre todo también formas abstractas, las abstracciones, esos cuadros que tengo allá y trabajo mucho, también con la naturaleza. Naturaleza muerta. Me gusta integrarla mucho en mis obras.

• ¿Haces escultura u otro tipo de arte, además de la pintura? Trabajo con arcilla y con cerámica. También he trabajado con hoja de oro. También con peletería, esta técnica me apasiona, es pirograbada, se hace con un pirógrafo. Esto que te estoy mostrando, es un diseño, primero hecho con pluma y después con un pirógrafo se van quemando diferentes partes del diseño, según, la intención que quieras dar. Aquí hay puntadas más profundas. Aquí hay puntadas distintas, para que justamente se vea la diferencia. Esta técnica la disfruto mucho, todo lo que es de piel me gusta, cuando empezó a salir, lo sintético no me agradó mucho que digamos. Creo que en eso también el arte se ha cuidado mucho, cuando es arte popular que tienes una sola pieza, que se pueda tocar, que se pueda oler, que se pueda disfrutar.

• ¿Hay algún tema que te obsesione? por ejemplo, hay artistas que constantemente pintan algún tema.   Las flores, específicamente este año y desde el año pasado el girasol porque fue el homenaje a Vincent Van Gogh a nivel internacional. Y ahorita hay un cuadro que pinté, está en Bruselas. Y para poder llevar a cabo esa obra tuve que estudiar, literalmente, lo que era un girasol en todas sus facetas. Tenerlo, comprar el girasol, estarlo observando y sus diferentes perspectivas. Desde que la flor estaba cerrada, cómo fue abriendo, cuando se secó. Y toda esa observación me sirvió a mí, por ejemplo, este cuadro, todos estos pétalos que dirían, qué raro que están así es porque fue la observación de cómo se fue secando. Todo lo que es orgánico es lo que más me apasiona porque, hay cambios, porque no te aburres, porque entonces puedes hacer el primer boceto de un girasol, pero al siguiente día ya cambió, entonces hay que hacer otro diferente y le quitas y le pones luz, eso es lo que a mí me gusta, también de la naturaleza que es cambiante, no es aburrida. Eso es lo que más me gusta de lo que pinto. Un cuadro para mí no puede ser aburrido. Si empieza a aburrir, lo vuelvo a hacer. Sí, soy muy perfeccionista y si de repente, por ejemplo, me ha pasado con cuadros que ya los pinté hace 3 años y de repente un día llego y le veo algo que le quisiera agregar o quitar igual. Entonces sí, sí, trabajo sobre trabajo.

• ¿Haces una nueva versión? Sí, eso es lo que más me gusta, por ejemplo, aquí hay otro. Este fue el de la exposición internacional dedicada a Frida Kahlo. Es acrílico sobre papel de algodón. Y lo en lo que me inspiré fue en el cuadro de Frida Kahlo que se llama “Viva la vida”, tiene unas sangrías preciosas y dice la frase viva la vida. Y entonces, cuando empecé a bocetar me salían puras Frida Kahlo. A mí sí me gusta siempre sacar algo diferente a lo que en general la gente saca ¿no?, porque son exposiciones colectivas y para mí, son muy nutritivas en el aspecto de que aprendes de los demás. Y yo me acuerdo que a la hora de aceptar me salían las cejas de Frida Kahlo, altas abstracciones, yo decía: pero es que no me gusta. Entonces me puse a investigar porque, antes de pintar un cuadro, siempre investigo. Se me hace importantísimo no perder esa parte de la lectura de lo que tú tengas el tema de expresar, informarte y si puedes ir con gente que sepa del tema y que te lo platiquen y que te que te nutra, ir a algún museo y que tenga que ver con el artista, los cuadros salen mejor. Los cuadros, la interpretación, lo que sacas esta, por ejemplo, tuvo un proceso de cómo fue el bocetaje, primero en blanco y negro. Primero, yo decía, pues Frida Kahlo luces, empiezas con Frida Kahlo, ¿no?. Y yo decía, bueno, alguna alta abstracción de Frida Kahlo. Empecé a hacer logotipos de Frida Kahlo. Y poco a poco, entre más iba investigando los bocetos iban cambiando. Y entonces ya empezaron a salir cosas más interesantes. En los procesos de cuando pinto un cuadro para exposiciones tengo mi maestra, que le agradezco muchas cosas que he aprendido. Se llama Rocío Klapés. Ella es la que me ha ayudado y la que me ha guiado, sobre todo en este primer cuadro que para mí fue un parteaguas, porque tuvo que ver con la muerte de mi mamá y entonces gracias a ese acontecimiento, pude hacer una catarsis del duelo. Y pues empezó a salir, empezaron a salir unos bocetos de verdad que muy interesantes. Y mi maestra me decía, tú sigue pintando tú sigue. Te voy a platicar porque tengo que tiene mucho que ver con mi mamá este cuadro. Mi mamá, era una persona muy alegre, era una persona aventurera, una persona muy culta. Y entonces todo lo que salió en este cuadro, lo que me empecé a imaginar es que ella había dejado todo el corazón en educarme, en tenerme y me transmitía vida a través de sus venas, y yo era la sandía. Que bueno, pues cuando ella partió, pues sí fue una experiencia bastante fuerte para mí, pero poco a poco, con todo lo con todo lo que ella me dio en vida, esa sandía empezó a recuperar el color. Por eso son las gotas de sangre. Todos los bocetos se guardan, los tengo clasificados y este desde el primer boceto que sale a lápiz hasta el último que sale en color y los cambios que se hayan hecho, porque de ahí aprendes como que es algo que ya es un aprendizaje. Cada cuadro es un aprendizaje. Todo lo todo lo tengo según el cuadro, clasificado. Y este cuadro fue muy especial y fue el que más me ha gustado. Le puse de nombre “Transfusión Vital”. Luego, de los cuadros que ahorita están en exposición te platicaba que era el de los girasoles, también hubo un proceso de 2 etapas, ya fue diferente, porque además también tiene mucho que ver el estado de ánimo del artista, es verdad, y también, cuál es el tema. A mí lo que me encanta es la dificultad, de que de que no sabes, bueno, pues ahora es de Van Gogh. Entonces me puse a investigar. Se empieza igual los bocetos y siempre empiezo por tipografías. Me gusta mucho jugar con logotipos, con hacer, por ejemplo, aquí, tengo tipografía sin patines y además agregué, el cuadro de “La Noche Estrellada” y después que fue cuando empecé a estudiar el girasol, porque de verdad me fui a comprar girasoles. Varios pasaron por este proceso porque se iban muriendo. Y a bocetar, bocetar, primero, como te comentaba en blanco y negro. Después ya cuando empecé a sentirme más segura con el blanco y negro, ya empecé a bocetar con acuarela y a color. También mi maestra Rocío Klapéz, que le agradezco todo lo que me ha enseñado, me fue guiando para este cuadro. Aquí los bocetos también los hago en acrílico, con lo que agarre, si me encuentro el lápiz, el lápiz, la crayola, la crayola. Y así es, sacar todos los bocetos hasta que quedes contenta con lo que lo que vas a hacer. Y en este caso lo que decidí fue lo mismo, aprender de los demás. Estaba viendo el trabajo de algunos compañeros que también expusieron y pues muchos hacían el rostro del artista. Es como algo que yo he visto que se repite en las exposiciones como la de Frida Kahlo. Hacían caras de Frida Kahlo en esta ocasión que es de Vincent Van Gogh. Me llama mucho la atención, no sé cual sea la razón, pero dije, yo quiero hacer algo diferente. Siempre me ha gustado hacerlas algo diferente, no por rebelde, si no, que aburrido. Voy a utilizar como elemento gráfico el girasol, ahora, según lo que nos pidan en la exposición, voy a integrarlo, yo lo que quería era un impacto visual, pero que diera alegría. Ajá. Entonces el girasol dije, colores cálidos. A mí el amarillo me encanta, es más alegría. Me voy a dar gusto y me voy a hacer mi logotipo de Vincent Van Gogh y entonces de todo lo que se trabajó se llegó a esto, te lo enseño a color. Y también te renta mucho como persona, porque a mí me gusta estar preguntando a mis compañeros, oye, ¿qué te parece mi trabajo? y te expones ante todo si te dicen, bueno, pues aquí el encuadre no, aquí la composición no, no te entiendo que dice ajá y si es una manera también de como persona de crecer porque te pones tu obra y entre varias personas te dicen su opinión y bueno, yo le agradezco. De este proceso primero, salió este que tú puedes ver acá. Y este es el que se mandó la exposición, este es un giclée (reproducción digital de alta calidad) del original. Podías hacerlo vertical, horizontal, es horizontal. Y es la medida de una hoja carta.

• ¿Quién convoca este tipo de exposiciones o cómo participan los artistas? Pues mira, con el tiempo vas conociendo gente del gremio y en esta en esta ocasión yo  como contacté con esta persona, fue por medio del estudio del maestro Fernando Aroche. Su estudio, se llama Area 7 y él se encarga de hacer la convocatoria, para todos los artistas. Yo decía, bueno, pues entonces cualquier persona puede dibujar, sí, pero hay un Comité de selección si te piden un currículum mínimo de que hayas estudiado, una carrera, porque el arte es una carrera. Y te piden un portafolio y en este caso pues están muy conectados con este artistas y profesores y profesoras y a mí lo que me interesa es seguir aprendiendo. Entonces, por medio de él, conocí a la maestra Rocío Klapés y yo sigo tomando clases de pintura con ella. Y ella es la que me ha guiado para esta convocatoria y ellos mismos te dicen, oye, va a haber otra convocatoria para salud de la mujer y ellos te van recomendando porque van viendo tu trabajo. Por eso es importante seguir aprendiendo. A mí lo que me gusta de todo esto es que haces diferentes técnicas,  acrílico este acuarela, tierras.

• ¿Pero tú por tu lado, sigues también creando? Independientemente de todo, yo ahorita lo que me gustaría seguir es el pirograbado con piel, porque me encantan las texturas. Yo soy mucho de texturas y de olores. Entonces los materiales orgánicos me llaman mucho la atención. Hay ciertos papeles que también me llaman mucho la atención, entonces es por donde yo me he seguido. Ahorita lo que he estado haciendo para comercializar mis cuadros, es el giclée por ejemplo, que yo no conocía bien la técnica. Este es polvo de mármol y gaza con polvo de oro con acrílico. Tiene texturas, muy interesantes, está muy bonito, en la foto no siempre se aprecia. Puedes hacerle un giclée, lo que más ha disfrutado son texturas, texturas, texturas y pues es orgánico, literalmente estás trabajando, te estás ensuciando las manos. estás creando, estás sintiendo y de repente te sueltas, empiezas a hacerlo más rápido. También tiene elementos de la naturaleza, como pétalos de rosas secos, hoja seca, yute, polvo de mármol. Luego me encargan tamaños, por ejemplo, para negocios, para hoteles. Sigue siendo el arte popular y sigue siendo lo más cercano q que no sea que no sea todo digital. En este rasgué la hoja de oro y puedes darle las capas que quieras, lo puedes tocar. Hay artistas que no les gusta que les toquen sus obras. Así me gusta, esto es un metal. Y entonces ahí también lo que te digo, que sigues aprendiendo. Ya me pasó que le puse en la otra pieza un solvente se puso verde, claro, por oxidación, entonces todas las clases de química que piensas que nunca vas a usar las usas.

• ¿En qué exposiciones has participado? He participado en la exposición colectiva fue en Florencia y en su día en México de Leonardo da Vinci, primero fue en Florencia y luego la trajeron aquí a México. Luego fue la de Frida Kahlo, en el centro de la Ciudad de México, y luego se la llevaron a Madrid. La que más he disfrutado, que te digo de los colores que en Holanda, en octubre de Vicent Van Gogh y de allá nos avisó el curador, que es el maestro Fernando Roig, oigan hay probabilidad de exponer ¿quién quiere?. Te dan esa opción, te dan a elegir, y eso es lo que a mí también me ha gustado mucho este verano, que no hay imposiciones. Se abrió la oportunidad y entonces de Holanda, en octubre, ahorita está en Bruselas y luego va para Brujas. En pandemia hubo una exposición en Tequisquiapan, que fue “Arte en tiempos de pandemia”. Ahí mandé este que es acrílico. Es una tarde serena, es un atardecer en el mar como como va cambiando la luz del sol. Otros materiales que utilizo es manta de cielo, polvo de oro, técnica de collage, me gusta mucho cuando tiene mensajes, que tipo de decoración te guste. Mis colores favoritos son los cálidos. En pandemia pasé del lienzo a las cajas son pétalos de rosa secos. También es esa parte, no de no nada más dejar el objeto como decorativo, sino funcional.

• ¿Has recibido algún reconocimiento? Sí, por la participación en las exposiciones, hay una asociación aquí en México que se llama Artac, ellos son los que son como jueces, según tu book y tu currículum, deciden si vas o no vas, si perteneces o no.

• ¿Tienes algún cuadro favorito? Sí, el de “Transfusión vital”, ese es el que más me encanta de todos. Lo que te pasa luego, es que te encariñas con el cuadro.

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Virgen de Guadalupe, técnica mixta ( hoja de oro y acrílico).  Año: 2026
Se regaló una a su Santidad: Papa León  XIV en Junio 2025, en Roma .